* Cassandra’s Dream
* El orfanato
* Promesas del Este
* En la ciudad de Sylvia
* Un corazón invencible
* Caótica Ana
*El ultimátum de Bourne
* Spider-man 3
* La fuente de la vida
* Inland Empire
* Cartas desde Iwo Jima
* Shortbus
* Offside (Fuera de juego)
* María Antonieta

No sé si por voluntad propia o porque alguien se lo ha chivado, pero Woody Allen se ha dado cuenta de que, desde el punto de vista del interés del guión, no es lo mismo un crimen por conservar un status que por conseguirlo. El crimen por mantener una posición económica y social sólo puede interesar a los que ya la tienen conseguida, que son los que pueden plantearse un dilema moral de estas características. Hablando en plata, Allen ha estado haciendo películas para torturar psicológicamente a los pudientes, y algunos de éstos se han dejado. Mientras, al resto nos quedaba la admiración de los interiores, de la ostentación, del lujo, como si fuera una edición de bolsillo de “Falcon Crest” o “Dinastía”. Podía resultar más o menos interesante, pero dejaba frío.

Yendo al grano, me parece mucho más poderoso fijarse en los que se plantean matar por mejorar su actual situación que en los que se formulan preguntas del tipo “o mato o pierdo lo que tengo”. Al fin y al cabo, TODOS tenemos deseos sobre cosas que no poseemos, pero ¿hasta dónde estaríamos dispuestos a llegar para conseguirlas? Éste sí que es un dilema universal.

En “Cassandra’s Dream”, Woody Allen decide plantear las dos perspectivas: la del hombre que quiere conservar su ritmo de vida (que sería el “autor intelectual”) y la de sus sobrinos, que aspiran a una vida mejor (los “autores materiales”). De esta manera, el director de Brooklyn muestra su reflexión más completa y matizada sobre la naturaleza del asesinato.

El tema no es muy amable que digamos, y tal vez ésta sea una película que desconcertará a muchos fans del Woody Allen más cómico. Pero es lo mejor que ha filmado Woody en esta década, y su película más recomendable desde “Misterioso Asesinato en Manhattan”. Toma ya. Después de que buena parte de sus últimos títulos estuvieran, salvo algún caso, entre la medianía y la simple corrección, Woody Allen vuelve a ofrecer cine de calidad, finalizando con un nivel alto su periplo británico justo antes de la llegada de la anunciadísima e hipersubvencionada “Vicky Cristina Barcelona”, aún en fase de post-producción. ¿Qué le quedará por decir a Woody Allen? Por primera vez en mucho tiempo, se me ha despertado vivamente la curiosidad por saberlo.

* Match Point

* Melinda & Melinda

* Todo lo demás

* Un final made in Hollywood

* Otros films del 2007

- Disculpe, pero no sé si se está equivocando de película.
- Profesor Adenauer, ¿cómo usted por aquí? Si ésta aún no es su página.. bueno, puede entrar como invitado de honor. Hable ahora y de aquí a 150 años volvemos a hablar del tema.
- Por cierto, ¿has visto el ridículo de Carod-Rovira con lo de la Bienal de Venecia?
- No… Oiga, ¿con quién viene, profesor?
- A: Hola!
- B: Somos nosotros.
- Estais aquí calladitos un momento, que voy a explicar cómo suena una puerta chirriando.
- Profesor Adenauer…
- Ñiiiiiiiiiaaaaooooooo.
- A: Oh
- B: Cáspita
- Profesor…
- Y ahora una puerta chirriando con portazo. “Ñiaaaaaooooooo ptxom”
- A: Qué emocionante.
- B: Bravo, bravo.
- ¿Qué me dice, dilecto Pissinger?
- Que sin duda esta mezcla de “El laberinto del fauno” y “Los otros” merecía su certero análisis.

* Ese Jaime

Admito que puede haber gente que, tras ver los primeros 5 minutos, piense que han tenido suficiente y que estarían mejor en otra parte. Cronenberg, sin embargo, no ofrece nada especialmente gore para los que hayan visto, pongamos por caso, “Cromosoma 3”. Aun así, sigue siendo capaz de generar momentos especialmente repulsivos.

Una vez pasado un prólogo en el que el espectador es tratado a degüello, lo que se nos ofrece es un drama de tomo y lomo, con la explotación de las niñas inmigrantes como telón de fondo. Las consecuencias de esta esclavitud, que afectan a personas alejadas en principio a cualquier tipo de mafia, serán servidas durante una hora y cuarenta minutos en una demostración de que cine de género y cine comprometido no son términos contradictorios.

Además de con la buena mano de Cronenberg, este film cuenta con una notable interpretación de Naomi Watts y, por encima de todo, con un Viggo Mortensen en estado de gracia. La excelencia que mostró en “Una historia de violencia”, sorprendentemente, podía ser superada. Su personaje en “Promesas del Este” combina simpleza y complejidad, extrema dureza y máxima empatía. No es un personaje apto para cualquiera, y además habla ruso. Viggo sortea todos los obstáculos y nos brinda una interpretación digna de todo reconocimiento.

Buscando un poco más, parece ser que el señor Mortensen viajó durante semanas solo y sin traductor por Moscú, San Petersburgo y los montes Urales, y estudió lo que pudo sobre los criminales vory v zakone (ladrones en ley), entre otros actos más o menos pintorescos. Pues bien, SE NOTA. Y contribuye decisivamente a elevar a “Promesas del Este” a la condición de una de las películas imprescindibles de esta década. Lo siento por los cinéfilos aprensivos.

Algo que a mí me pasa particularmente es que me siento en minoría a la hora de enseñar fotos. Mucha gente opina que lo más interesante de una tira de imágenes son los retratos de personas, y mejor cuanto más se cierra el encuadre en el primer plano. Sin embargo, a mí no me gustan: son fotos estáticas, la mayoría de las veces con un posado forzado, y sólo cobran valor con el paso del tiempo y en comparación con otras imágenes. Prefiero los planos de grupo o de relación de una persona con el entorno en el que se toma la imagen (una montaña o un monumento, por ejemplo): pueden aportar mucha información por sí mismos.

Admito que la introducción es un poco larga, pero ahora entramos en materia: “En la ciudad de Sylvia” de José Luis Guerín usa de forma prolija el poder evocador de los rostros silenciosos. Es decir: abusa del recurso.

Lo que vemos es a un joven dibujante que, paseando y sentándose en las terrazas de Estrasburgo, persigue la inspiración y dibuja rostros. Tantea, esboza, traza, repasa, tacha, vuelve a abrir otra hoja de su cuaderno, vuelve a probar con otra cara. Y entonces, la ve. Una mujer le llama la atención poderosamente y decide seguirla por la ciudad. Podríamos pensar que, de una vez, ha decidido rellenar de información ese rostro con información FIDEDIGNA, no con FANTASÍA. Y hasta aquí puedo leer: el argumento ya es suficientemente mínimo como para casi comérmelo todo en un párrafo.

En muchos momentos, el espectador se convierte en un voyeur de personas a las que puede mirar a los ojos sin tener que girar la vista por cortesía cuando la persona observada mira en nuestra dirección. Eso sí, no todos los rostros tienen el mismo poder: sobre algunos podríamos estar elucubrando durante horas, sobre otros basta con un vistazo. A veces, la duración de los planos es un problema. El espectador puede perder el hilo de lo que ve al rellenar más información de la que correspondía, o sencillamente se distrae porque una imagen se alarga más de lo conveniente.

El autor de “Innisfree”, “Tren de sombras” o “En construcción” ha vuelto a arriesgar. Pero esta vez, en mi opinión, José Luis Guerín no ha ganado. Volver a la pureza del lenguaje cinematográfico no tiene por qué implicar saltarse a Eisenstein y retroceder hasta el daguerrotipo.

* Otras películas vistas durante el 2007