10 – Brian Wilson



Quizá sea su álbum más reciente, “That Lucky Old Sun”, el que dé más pistas sobre qué pasa por la cabeza de Brian Wilson. Parece alguien que no ha tenido noticias de la Guerra del Vietnam, de la caída del Muro de Berlín o de los innumerables conflictos con Iraq como protagonista. En su mundo sólo parece existir la inocencia del sol en las playas californianas en los años 60, abarrotadas de chicas peligrosamente jóvenes. Casi se diría que su vida es un bucle, un loop de un fragmento del pasado, y hay momentos en los que siento algo parecido a la pena por el pobre abuelo. Pero, puestos a vivir repetidamente la proyección de una memoria… ¿qué no daríamos para que ésta fuera positiva? Véase “Shutter Island”…

En este blog, con gran alborozo, anticipé la publicación de “Smile”. Escribí a mediados del 2003 que este hecho “puede ser para la música lo que "Apocalypse Now Redux" para el cine: el fin del perenne lamento de lo que pudo ser y no fue”. Lo mejor fue que la obra acabó correspondiendo a la pasión que me encendió.

Escuchando ahora el disco, años después de la última vez, siento una sensación parecida al retorno al paraíso. No seré yo quien reniegue del punk, el hip-hop o la música electrónica… Y, sin embargo, escuchando “Smile” siento que el ‘do it yourself’, la agresividad o las experimentaciones de los últimos años no han aportado frutos tan jugosos. Si no sitúo a Brian Wilson más arriba en este repaso personal es porque, al fin y al cabo, “Smile” es una original revisión de temas en su mayoría conocidos en el pasado. No es que haya otros artistas que han interpretado mejor el siglo XXI que Brian Wilson, es que Brian Wilson no lo ha hecho, supongo que se me entiende. Sin embargo, si esta lista fuera exclusivamente de CDs, escogidos uno por uno, “Smile” estaría mucho más arriba del número 10. Sin duda.

* Discos de cabecera: “Smile” de Brian Wilson

9 – Jay-Z



Cuando Jay-Z esté en edad crepuscular y publique una autobiografía, me la compraré. Si hay alguien en esta lista que esté plenamente vinculado a esta década es él. Y no sé pòr dónde empezar. ¿Su condición de macho alfa por estar casado con Beyoncé tras una larga relación? ¿Su agria polémica con Nas? ¿Su posición de empresario musical, dirigiendo ni más ni menos que Def Jam Recordings y cofundando Roc-A-Fella Records? ¿Su papel de escudero insustituible en algunos de los éxitos de los últimos años (léase “Crazy in Love” de Beyoncé, “Umbrella” de Rihanna) o de protagonista (“99 Problems”, “Empire State of Mind” con Alicia Keys)?

Como admito en un “comment” en este blog, descubrí tarde a Jay-Z, supongo que porque en Europa la prensa musical estaba pendiente de otras cosas. Sin embargo, ya en el 2000 se estaba liando parda. “The Dinasty: Roc La Familia” es una exhibición de grandes cartas como The Neptunes, Just Blaze o Kanye West. Pero es que en “The Blueprint” se jugó la gran partida. Como dice la pegatina promocional de la foto, “nothin’ but smashes!”. Además, “The Blueprint” tiene una fecha de publicación lamentablemente legendaria: 11 de septiembre de 2001.

Jay-Z es el Curro Romero del rap. Hay que seguirlo porque tiene la capacidad de poner patas arriba el mundo en tres minutos. A pesar de que su carrera durante estos años ha sido bastante irregular, con un paréntesis tras una ‘retirada’. Aparte de “The Blueprint”, merece la pena “The Black Album” y se puede escuchar “American Gangster”. No doy garantías respecto a los otros tres álbums no citados, pero permanecemos a la escucha.

8 – Arcade Fire



Voy a contarles la historia de un 9.7. Concretamente, el que se le dio a “Funeral” en la web Pitchfork en una crítica fechada en septiembre de 2004. El disco se acabaría publicando en España en el 2005 y los medios lo seleccionaron entre los mejores álbums de aquel año. Hechos absurdos en el principio del siglo XXI. ¿Alguien cree que los aficionados a la música van a esperar tanto tiempo cuando la bola de nieve en Internet se ha hecho tan grande y ruidosa? Sin ir más lejos, yo mismo ya cité “Funeral” entre lo mejor que se había publicado entre 2000 y 2004. Pero no era el único.

Imposible no dejarse arrastrar por ese impulso excesivo, torrencial, de romanticismo desatado y volcánico, que recorre “Funeral”. Cada uno tendrá sus canciones favoritas, las mías son “Nieghbourhood #1 (Tunnels)”, “Neighbourhood #4 (Power Out)”, “Wake Up” y “Rebellion (Lies)”, pero “The Back Seat” también es una melodía que me puede asaltar en cualquier momento.

Su ascenso a las letras grandes de los festivales fue meteórico. Y no les fue nada mal, entre otras razones porque, en cierto sentido, la teatralidad y la grandilocuencia forman parte del encanto del invento. Arcade Fire publicó en el 2007 “Neon Bible”, también excesivo en instrumentación y complejo en la estructura de las canciones, con resultados menos certeros pero sin duda aún atractivos.

Se cree que el 2010 puede ser el año del retorno de Arcade Fire con un nuevo trabajo repleto de ambición. Si conseguirán salirse con la suya o no ya se verá, pero vale la pena reivindicarlos por lo que son ahora y por lo que han representado en la década pasada. Y lo que tenga que sonar, sonará.

* Arcade Fire en el Summercase 2007

7 – Outkast



Ahora que es muy fácil controlar los movimientos de cualquier grupo y de estar más o menos atento a las novedades interesantes, y escucharlas en cuestión de minutos, parece increíble que se puedan tardar años en conocer la existencia de un disco como “Stankonia”. Pero así fue: una vez digerido “Speakerboxxx/The Love Below”, debía investigar qué más había hecho esta gente. Y uno se topa conn “Stankonia”, una obra visionaria, inagotable, rebosante de talento y de sentido del humor. Ni siquiera yo, que había seguido con intensidad variable los duelos del rap de los 90 entre costa Este y costa Oeste de los Estados Unidos, me esperaba una sorpresa tan grande del Sur, del que apenas llegaban, y de forma un tanto apagada, las aventuras de Arrested Development. Pues bien, “Stankonia”, esa orgía de funk-psicodelia-hip-hop, con temas tan dispares como “Gasoline Dreams”, “So Fresh, So Clean”, “Ms. Jackson” o “B.O.B.”, es un pasaporte a la eternidad.

No hace falta ser un experto en semiótica para darse cuenta de que, tres años después, las cosas habían cambiado. “Speakerboxxx/The Love Below” muestra dos portadas, dos CDs, uno para cada uno de los miembros de Outkast. Esta forma de potenciar las diferencias entre Big Boi i André 3000 ofreció el siguiente balance: mientras “Speakerboxxx” es un disco notable que se mueve en coordenadas similares a las de “Stankonia”, “The Love Below” abraza con fortuna el pop y el soul (es aquí donde se encuentra “Hey Ya!”).

A partir de aquí, la demolición: no sé cómo será el film “Idlewild”, pero su banda sonora es perfectamente olvidable, y el trabajo que iban a sacar más o menos por las mismas fechas que “Idlewild”, “The Hard 10”, continúa sin ver la luz años después. A ver si, por el bien de todos, estos dos tipos resuelven sus diferencias. Son la esperanza para los seguidores de la tradición Funkadelic – Prince.

6 – Antònia Font



¿Qué pasaría si me dejaran en una sala con 40.000 CDs a mi alcance? No es una fantasía, eso llegó a ser mi trabajo durante unos meses. Mientras buscaba un empleo de lo mío, entendiendo como tal lo que yo había estudiado, tuve la posibilidad de trabajar en el departamento de discoteca de una emisora pública catalana. Como definió Carlos Pulido, al que envío un saludo, fue como “soltar a un drogata en una farmacia”.

Antònia Font ya había publicado “A Rússia” y faltaba poco para que se publicara “Alegria”. Noté que mucha gente me pedía “A Rússia”, pero sólo lo anoté mentalmente, sin hacer nada más. Durante las primeras semanas posteriores a la publicación de “Alegria”, el CD no se estaba quieto ni una sola hora en mis alrededores. Recuerden, hubo un tiempo en las emisoras de radio sin música guardada en los ordenadores… Cuando por fin llegó “Alegria” a mis oídos, descubrí algo grande. “Final”, “Alegria”, “Dins aquest iglú”, “Vos Estim a Tots Igual” o “Patxanga” son algunas de las canciones que, casi inconscientemente, he silbado más durante los últimos años.

En el 2004, ya con un trabajo de lo mío, en un acto impulsivo de añoranza, compré “Taxi” nada más publicarse. Sin duda la mejor inversión calidad-precio que he hecho en una tienda de discos en los últimos diez años, en el capítulo de novedades. Incluía un DVD, unas páginas interiores modélicas y un CD con himnos como “Armando Rampas”, “Robot” o “Astronauta rimador”.

Desde entonces, Antònia Font se ha convertido en un proyecto cada vez más sofisticado e imprevisible. Tanto “Batiscafo Katiuscas” como el recopilatorio con orquesta “Coser i cantar” contienen grandes hallazgos, pero hay algo que se ha perdido en el camino. Y en cierta manera, ese algo permanece en los discos de Joan Miquel Oliver en solitario, aunque cante peor que Pau Debon. Ese algo es la recreación de una mentalidad infantil sorprendida por todo lo que le rodea y fascinada por ámbitos por explorar como el espacio exterior, los mundos submarinos, la inteligencia artificial o, simplemente, la perfecta canción pop.

Un apunte: un sábado por la mañana yo escuchaba la emisora Cadena Dial cuando repasaban los ganadores de los premios de la Academia de la Música concedidos esa misma semana. Antònia Font se había llevado el de mejor álbum pop por “Coser i cantar”. Pues bien, el locutor, en un tono despectivo, cuestionó que un disco poco conocido (que creo que ni siquiera mencionó) hubiera triunfado en la categoría de pop por delante de, ejem, Chenoa y David de María. Sí, en el negocio musical todavía hay gente así.

* Antònia Font en el BAM 2006

* Joan Miquel Oliver en el Centre Cultural Barradas, 05 junio 2009

* “El misteri de l’amor” (libro)

* Del 15 al 11

* Del 5 al 1