“Control” es una muestra de amor. No hay una distancia intelectual sobre el tema como en “24 Hour Party People”. La película se basa en la biografía escrita por Deborah Curtis Touching From a Distance, y la exmujer también produce el film. La película empieza en la adolescencia de Ian Curtis en Macclesfield, Inglaterra. Siguiendo a un amigo común, ella se mete en la habitación de Ian, en la que suenan discos de David Bowie y Roxy Music. Ian trabaja en una Oficina de Empleo, pero pronto se ve que la música pasará a formar parte central de su vida. Cofunda la banda Warsaw, luego conocida como Joy Division, que firma discos maravillosos como “Unknown Pleasures” y “Closer”. Desde la óptica del film, los otros músicos son malos, incapaces de hacer respuestas interesantes a la prensa, no digamos de llevar a buen puerto un concierto sin su solista. Demasiado amor quizá hace olvidar que estamos hablando de los futuros miembros de New Order.

El retrato de Ian Curtis es el de Ícaro a su pesar. No quiere volar más alto, pero todo le empuja hacia arriba. Se le acumulan los factores negativos: consumo habitual de pastillas, ataques epilépticos, insatisfacción con su doble vida sentimental, indigestión del éxito… y un buen día decide que no los puede gestionar más.

No sé qué impresión debía dejarme ese final, que yo ya sabía de antemano. Sólo sé que me encantó recordar buenas melodías, que valoro como excelentes las interpretaciones de Sam Riley y de Samantha Morton, que aprecio el magnetismo que tiene Alexandra Maria Lara en pantalla, y que Anton Corbijn rueda con destacable efectividad. Acostumbrado como estoy a que todo lo que tenga que ver con la música en imágenes fíe el interés en el montaje, me place recuperar a alguien que valora el encuadre. Y en blanco y negro.

* Cine 2009

En “Los abrazos rotos”, Almodóvar vuelve a situar en un papel central a un director de cine, jugando mejor esta baza que en films anteriores como “La ley del deseo” o “La mala educación”. En este caso, el cineasta es ciego (hecho tratado con un tono totalmente diferente al de Woody Allen y más cercano a otros films sobre la ceguera). Lluís Homar da vida a un director forzosamente reconvertido a mero escritor de guiones, al que unos acontecimientos fortuitos le devolverán a un recuerdo del pasado que no quedó completo. De hecho, “Los abrazos rotos” es, más que un homenaje al cine, una película testamentaria, puesto que subraya el papel de la imagen filmada como garante de la memoria y de los sentimientos asociados a la misma.

Sobre el casting, Penélope Cruz está bien (y guapa hasta el escándalo cuando está despeinada) y Blanca Portillo y Carmen Machi están soberbias, pero en algunos personajes falta interactuación. Supongo que a Almodóvar no le molesta, dada su tendencia natural al artificio y a valorar la tramoya por encima del títere. En este sentido, nada que reprochar a la narración, cuyos mecanismos funcionan de forma precisa. Quizá nadie citará “Los abrazos rotos” entre las 3 mejores películas de Almodóvar, pero para mí no hay ninguna duda: es un buen Almodóvar. Y a aquellos a quienes no les guste este director, pues seguirán igual.

* Cine 2009

Las dos están presentes en “A ciegas”. En una ciudad se produce una repentina epidemia de ceguera. Algunos de los infectados son metidos en cuarentena a la espera de saber cómo evoluciona la enfermedad. En este ambiente cerrado, se crea una nueva comunidad, lo que lleva a una nueva reorganización social. Quien tiene un arma y acceso a los alimentos tiene el poder, y lo ejercerá de forma tiránica. Así pues, predomina la explicación de las desventuras de un grupo de ciegos en condiciones de extrema necesidad.

No he leído la novela “Ensayo sobre la ceguera” de José Saramago, en la que se basa esta película. Pero no me creo que su tema central sea la ceguera física. Imagino que será una alegoría sobre la indiferencia de los humanos respecto a su prójimo, sobre el egoísmo, sobre la falta de empatía con los demás y la violencia que ello puede causar. Pues bien, si esto es lo que se quería transmitir, el film de Fernando Meirelles suspende. No hay reflexión social, sino una animalización de seres humanos. Y para esto no hacía falta saturar la luz, ni difuminar el escenario para hacerlo irreconocible y universal. Ninguna falta.

En la parte positiva, hay que destacar una vez más el buen hacer de Julianne Moore, adorable en todas sus acciones. Y sí, hay que destacar que la han teñido de rubio, supongo que por alguna razón convincente. En resumen, a esta película le sobran buenos ingredientes, pero el gusto del guiso es decepcionante.

* Ciudad de Dios

* Cine 2009

Dicho de otra forma: Soderbergh y Del Toro se lo han pasado tan bien que perdieron el sentido de la medida. ¿Nadie les dijo que más de 4 horas era demasiado para mantener el interés sobre la actividad guerrillera de Ernesto Guevara? Siempre me he quejado de que los biopics pierden el interés porque convierten la historia del biografiado en una sucesión de orgasmos inconexos. Se enfoca tanto al personaje que se olvida la persona. En el film de Soderbergh, casi pasa al contrario.

El problema de la película del “Che” es que a ratos aburre, y además no aparece en el film nada que justifique su leyenda. Ojo, la historia sí que está clara: una misma actuación guerrillera puede ser exitosa o padecer un fracaso estrepitoso en función de más variables que la propia personalidad del líder. En cierta manera, aquí Benicio del Toro me recuerda a veces al François Truffaut de “La noche americana”, siempre procurando apagar fuegos y movilizar a un grupo que va de derrota en derrota hacia la victoria final… o lo que salga.

Sin embargo, el “Che” tiene algo que me parece muy destacable: la sensación de que a Steven Soderbergh aún le queda mucho buen cine que ofrecer, 20 años después de de “Sexo, mentiras y cintas de vídeo”. Y le veo capaz de sacar máximo provecho de la tecnología empleada en el “Che” con otro proyecto que tenga un guión más podado. Mantiene todo su crédito.

* Cine 2009

Después asistimos a las desventuras de una bella joven que necesita dinero para costear un entierro. Una bella joven que no canta, sino que se expresa con musicalidad. Una bella joven que oculta en su vagina una patata como método casero para evitar violaciones, algo que aprendió de una vecina de su madre. El nombre del film, “La teta asustada”, hace referencia al miedo de la madre traspasado a la hija, a las consecuencias del parto en tiempos de terrorismo.

La directora Claudia Llosa quizá no inventa el cine pero sí demuestra un dominio maestro de los recursos a su alcance. La excelente aportación (término más ajustado que ‘interpretación’) de Magaly Solier delante de la cámara completa una obra de belleza indiscutible. Quien tenga hambre de cine será saciado con “La teta asustada”. Para las explosiones, las canciones plastificadas y los amores burbujeantes, visiten otras salas.

* Cine 2009