A diferencia del también británico Paul Greengrass, que enfatiza el dinamismo mediante las sacudidas de sus planos, Winterbottom se está especializando en reducir las escenas a la máxima expresión en el mínimo tiempo. Los diálogos se suceden de forma vertiginosa y cuando se ha dado la información necesaria, cambia de escena. Esta forma de montar podría producir el efecto de un film irrespirable, con sobredosis de información y una cierta sensación de empanada mental… bueno, efectivamente, hay momentos en que sí he tenido esta impresión. Sin embargo, aunque haya momentos confusos a lo largo del metraje, el rumbo no se pierde en ningún momento.

Es el relato de la construcción y demoledora destrucción de una esperanza, con la gestación y nacimiento del pequeño Adam como suavizadora alternativa. En el centro del objetivo durante buena parte del metraje, Angelina Jolie se encuentra a gusto. No es que haga de mujer fuerte, es que es una mujer fuerte. Eso ayuda a anclar un montón de pistas falsas y de informaciones confusas tanto o más que el mapa conceptual que ella misma dibuja y completa.

Todos estos elementos desdibujan a los personajes secundarios, que a duras penas se llevan algo a la boca. Además, Winterbottom también participa de lo que yo llamo “cine colonial”, en el sentido en el que se retratan lugares extraños con imágenes descontextualizadas más o menos pintorescas. Es la plasmación en el cine del efecto de las cámaras de fotos digitales. Es una opción legítima de caligrafía fílmica, pero a mí no me gusta. Dicho está.

El estreno de “Un corazón invencible”, pues, no altera mis preferencias sobre cuáles son los tres mejores films de Winterbottom: “Wonderland”, “24 hour party people” y, tal vez la mejor, “In This World”. Ahora bien, demuestra que es un tipo con suficiente músculo como para hacer algo grande algún día. Así que seguiremos tras la pista.

* Comentario de 9 Songs
* Comentario de 24 hour party people

* Otras películas vistas durante el 2007

Y lo hace para elaborar un metraje de notable riqueza visual, narrativa y temática. Lo que empieza como la simple peripecia de una joven artista en la gran ciudad y su despertar al amor se fragmenta en varios pedazos temáticos que se irán entrelazando entre sí. En una enumeración rápida e incompleta: la riqueza del mundo de los sueños, la discriminación histórica de la mujer y su lucha contra el patriarcado, la diatriba contra los gobiernos que promueven guerras en general y contra la administración Bush en particular, la denuncia de la situación del pueblo saharaui, la reivindicación de la libertad por encima de supuestas obligaciones impuestas por los demás, etc. Y todo eso y más sin descuidar mostrar los cuadros de su hermana Ana (muerta en accidente de tráfico), completados por su otra hermana, Sofía.

En este sentido, Julio Medem podría mostrarse más disperso, teniendo en cuenta que en la mayoría de sus obras se dedica principalmente a abordar relaciones personales. Sin embargo, aunque sea mediante extraños pero eficaces subterfugios, la aparente complejidad inicial confluye en un relato fácilmente identificable.

Y a esto ayuda muchísimo el descubrimiento de Manuela Vellés, que merece algo más que un Goya a la Mejor Actriz Revelación. Es mucho más que un rostro bonito, una sonrisa agraciada o una futura mujer de bandera cuando cumpla más años de los veinte que tiene ahora. Tiene presencia, desparpajo y su actuación, aún mejorable, tiene matices que intérpretes supuestamente consagradas no han tenido ni tendrán nunca. Además, está bien secundada por una Bebe que deja un ambiente distendido cada vez que pasa por la pantalla, o por un Asier Newman que tiene una voz ideal para su cometido de hipnotizador.

No todo es perfecto. Hay una secuencia final, que todo el que la vea identificará fácilmente, que es grosera a más no poder. Sin embargo, Julio Medem demuestra que puede manejar con habilidad no sólo diferentes temas, sino distintos tonos (cómico, dramático, erótico, trágico, existencial, político, etc.). Si no fuera porque no he visto “Vacas” diría que es la mejor película de Medem, así que valoro que es lo mejor que ha hecho desde la meritoria “La ardilla roja”. “Caótica Ana” es muy buena.

Comentario de "La pelota vasca"

Si hay algo por lo que destaca esta película es por lo que no sobra. No hay casi tiempos muertos, y los pocos que hay ayudan a catapultar la película hacia una nueva y espectacular peripecia. Tampoco sobran primeros planos de Matt Damon: los que seguimos creyendo que quien interpreta a Jason Bourne es más un tipo con suerte que un actor no cambiaremos de opinión con este film, pero aquí Damon no nos molesta en exceso. Y también es tremendamente eficaz su banda sonora, rítmicamente excesiva, trepidante y con una excelente fluidez, a cargo de John Powell.

Un elemento que merece párrafo aparte es el tratamiento del sonido. En esta película es un factor clave, porque ayuda a rellenar todo aquello que la vista no tiene tiempo de recomponer. Y es un trabajo que está resuelto con algo más que gran profesionalidad: con encomiable maestría.

“The Bourne Ultimatum” cierra magníficamente una trilogía que, la verdad, no prometía mucho. El primer film, “El caso Bourne” (“The Bourne Identity”), no parecía ir mucho más lejos de los parámetros del film de acción con fugitivo y acompañante femenina. Sí que es verdad que Doug Liman ya supo exponer los ejes principales de la trilogía: el poder incontrolado de las agencias norteamericanas y el factor humano como mayor oponente de la fría mecánica de matar siguiendo órdenes. Con Paul Greengrass ya a los mandos, “El mito de Bourne” (“The Bourne Supremacy”) potencia el thriller de espionaje, pero para mi gusto tiene un montaje aturullado que resta interés a su narración. Es fácil acordarse de la persecución de coches en Moscú, pero no tanto recordar de qué iba el metraje.

“The Bourne Supremacy” es, tal vez, el único patinazo de una de las carreras más estimulantes de la cinematografía de nuestro recién estrenado siglo. “Bloody Sunday” y “United 93” ya nos mostraban a un director con pulso y con punto de vista sobre la realidad. “The Bourne Ultimatum”, además, demuestra que también lee los periódicos: esos vagones de metro de Londres, esos trenes de Madrid, esas explosiones en Tánger… todo dolorosamente próximo, y rodado sin pérdida de ritmo. Excelente film.

Río: se llena el manantial de nieve artificial.

Narrativamente es impecable porque cada historia tiene su propio tono. El drama romántico con varios intercambios de parejas de baile, el contraste éxito-fracaso, el terror ante el crecimiento de una fuerza que te da sensación de euforia al mismo tiempo que te destruye, los toques de comedia por aquí, de ciencia-ficción por allá, la necesaria dosis de acción… y todo para explicar un tema tan poco taquillero como la redención y la necesidad de perdonar y ser perdonado.

Yo pensaba seriamente que después de “Spider-man 2” se habían perdido buena parte de los elementos que podían aportar tensión a las nuevas películas del trepamuros. Tras la tercera entrega, pienso lo mismo, pero ya no cuestiono la capacidad de los guionistas para salir airosos. O me estoy ablandando últimamente ante el cine de Hollywood, o es que este último año se está moviendo algo.

Cuando se cita a directores que aúnan comercialidad con autoría se suele citar a David Lean. Pues bien, Sam Raimi está aporreando con fuerza la puerta del castillo del prestigio. A la próxima, habrá que ir pensando en bajarle el puente levadizo, y con fanfarrias.